讓人又愛又恨的 (手搖/晃動/呼吸感) 鏡頭：To Shake or Not to Shake; That is the Question
我在片場跟攝影師溝通鏡頭語言的時候，常常會聽到攝影師問我：導演，這顆要不要我加一點「呼吸感」？這個所謂的呼吸感，就是好萊塢業界所稱的手搖鏡頭(hand-held camera)或晃動鏡頭(shaky camera)，最早源自於紀錄片拍攝與1960年興起的法國真實電影(Cinéma vérité)流派。但今天我不是來講古的，講古有很多網路上的文章都有講，我今天想要為各位解答的，是為什麼很多人（包含小弟我）對於手搖鏡頭越來越感冒。如果你還是不太清楚什麼是手搖鏡頭，先來看一個參考範例，不過本人先聲明，我沒有批評這個作品的意思，所以大家別急著挖坑給我跳。
在開晃之前，你真的知道你在晃什麼嗎？
現在很多創作人選用手搖鏡頭的原因，是因為覺得很喜歡手搖所創造出來的原味(raw)感覺。對，原味。然後當你追問他們什麼是「原味」，答案往往就是那是一種視覺上的fu。…。聊到這裡，我通常就會終止對話了。
從早期真實電影流派的理念來談，手搖鏡頭是要帶給觀眾一種現場感，一種未經演練與修飾的臨場感受，會讓人感覺看到的畫面很「真實」。這是手搖鏡頭的絕對優勢。舉個比較誇張的例子，美國有個電視劇叫《辦公室》，是個講辦公室日常趣事的情境喜劇，攝影手法就是徹頭徹尾的手搖鏡頭，看完之後，你會彷彿置身在現場，甚是感覺自己就是這些角色的同事一般。
不過這個還不是最暈的，很多網友都異口同聲覺得，近年電影中因為鏡頭晃動讓人最想吐的，除了《柯洛佛檔案》那種偽紀錄片先不談之外（偽紀錄片本來就註定晃到死），就是《神鬼認證》系列了，根本就是《辦公室》的嚴肅間諜版，來看一下到底有多晃：
手持無罪，晃動有理？這個「理」到底在哪裡？
談過手搖鏡頭能帶給觀眾真實感與臨場感的優勢之後，來談一下它的劣勢。在研究電影鏡頭語言的時候，除了手持鏡頭之外，都會講求一個概念：隱形的攝影機，簡單說，就是鏡頭的運用應該要盡量讓觀眾「不要注意到」攝影機與攝影師本身的存在，觀眾的視角是一個特殊的客觀視角，既在戲裡又不會感覺自己真的在現場（這也就是為什麼李安導演的《比利·林恩的中場戰事》在使用接近人眼感官的每秒120格拍攝與播放科技，卻讓很多觀影人覺得很怪的道理類似，這個部分我會在另一篇文章中闡述）。
我很欣賞的導演大衛芬奇(David Fincher)就是其中一個很不愛用晃動鏡頭的導演，網路上就有人把他不選用晃動鏡頭（而愛用其他定鏡頭）的原因做成了講解影片，我也趁這個機會分享給大家：
根據大衛芬奇的說法，任何看起來像有「失誤」的運鏡，都會讓觀眾意識到攝影機與攝影師的存在，又如果在理由不夠充分的狀況下猛然選用手持鏡頭，更有可能干擾到觀眾觀看戲劇內容的歷程，造成「出戲」的風險。當然，如果戲本身很精彩，可能適度的手搖動作並不會引發出戲，但如果搖很大，那估計什麼樣的精彩劇情都會搖出問題來。
5個適合選擇手搖鏡頭的時機
看到這裡，大家是不是有種我實在是恨透手搖鏡頭的感覺？其實並非如此，我討厭的不是手搖鏡頭，而是「無腦」的手搖鏡頭。要搖可以，那總得有個搖起來的理由。所以下面就來列舉一些適合選用手持、晃動手法的時機：
- 動作戲：晃動鏡頭能帶給觀看者一種不安，甚至有點危機與危險的感覺，這就很適合在動作戲的時候使用，連大衛芬奇都會表示贊同。況且，在緊張的動作戲進行時，觀眾本來出戲的風險就比較低（畫面上的資訊豐富而且夠吸引人），因此可以使用手持鏡頭。
- 緊張氛圍：導演史蒂芬史匹柏在《搶救雷恩大兵》裡的諾曼地登陸強攤劇情，就選擇使用了手持鏡頭手法，包括在登陸之前的段落。因為手持不穩定的構圖屬性，它能創造一定程度的緊張氣氛，但前提是劇情內容本身就要有足夠的緊張氛圍，否則就會是本末倒置，增加觀眾出戲風險。
- 臨場記錄感：紀錄片或是偽紀錄片需要的是一種未經修飾得臨場感，這正好就是手持鏡頭的最大優勢，所以不論是真人秀也好，或是正經八百的紀錄片也好，這些觀眾本來就知道會有拍攝劇組在現場做記錄的類型，都很適合選擇手持鏡頭的拍攝手法。
- 主觀視角：如果劇情中需要用到某個角色的主觀視角鏡頭，那手持拍攝就會是一個適合的選擇，因為些微的晃動感（或稱「呼吸感」）能夠模仿真人的身體動作，增加拍攝第一人稱視角時的真實性。
- MV拍攝：大部分的MV拍攝都會使用手搖鏡頭，原因常常除了是很可憐說不出口的預算問題之外，也是因為手搖鏡頭自帶一種「律動感」跟「畫面情感」，這樣的鏡頭比起定鏡頭來說，一般跟音樂、節奏會比較能搭配，當然也是因為MV這種影片類型，不太有會讓觀眾出戲這種顧慮。
最後小提醒：手搖不代表不用注意構圖
構圖是攝影的基本，但很常會在看手搖鏡頭素材的時候，發現攝影師好像突然覺得構圖不重要了，或是說，構圖更加不好把控。這當然也可以理解，畢竟我們一般學到的構圖多數都是靜態構圖，而非動態、不斷變化的構圖。我的建議是在使用比較複雜的手搖鏡頭設計時，可以在拍攝前多演練幾次，先確保人物或物件在每個畫面段落中的構圖都是好的，然後再研究鏡頭的移動方式，把這些好的構圖連接在一起。
手搖鏡頭是一種創意上的選擇，但創意並不代表不用大腦去思惱其背後的原理，相反的，創意的背後往往充滿邏輯性。其實不只是手搖鏡頭，下次在設計任何景別或鏡頭運動之前，都可以嘗試分析一下為什麼你會這樣選，一步一步去建立起拍攝邏輯，讓每個「鏡頭」都充滿潛在的「語言」。